Recomendaciones

4 Propuestas para un estilo campestre

No es extraño que al pensar en un diseño único, automáticamente visualicemos un artículo sofisticado. Sin embargo, hay diseñadores que han dedicado su talento a crear un estilo de mobiliario sencillo con materiales que producen comunidades rurales o son típicos de algunas regiones. Tal es el caso de estas cuatro propuestas que pueden mezclarse con otros diseños para formar espacios acogedores en una casa de campo, un hotel boutique o inclusive en una casa citadina con ambiente regional.

Cabe recordar que estos autores no sólo pensaron en rescatar diseños tradicionales y un estilo nacional, sino también, aprovechar la producción de materiales en nuestro país.

Es uno de los representantes más importantes del diseño moderno en México. Después de participar en la Segunda Guerra Mundial se afincó en Morelia, lugar donde viviría el resto de sus días. La riqueza artesanal de la región lo impulsó a fundar Señal, S.A., fábrica de muebles y accesorios establecida en Santa María de Guido, la cual utilizó maderas tropicales como el cuéramo, el cocobolo, el granadillo y la caoba. Su mobiliario formó parte de diversas o cinas gubernamentales y se exportó en grandes cantidades hacia el mercado norteamericano.

Lote 140

Don S. Shoemaker (EE.UU., 1917 – México, 1990).
Sillón “Swinger”. México, años 70. Elaborado en maderas tropicales..
Estimados: $ 60,000 a $ 65,000 M.N.

Hijo de padre sueco y madre gallega, el nomadismo forma parte de la forma de ser de Oscar Hagerman. Nacido en La Coruña, llegó a México en 1952. Arquitecto por la Universidad Nacional Autónoma de México, trabajó con Félix Candela al inicio de su carrera. Su trabajo se ha enfocado en la construcción de infraestructura y mobiliario para comunidades indígenas y campesinas.

La silla “Vicente Guerrero grande” es uno de los ejemplos del trabajo que realiza Hagerman con sociedades cooperativas de artesanos campesinos a lo largo y ancho de nuestro país. La comunidad de carpinteros Vicente Guerrero del estado de Chiapas produce este diseño junto a las sillas “Jiquipilas”, “Maya” y “Vicente Guerrero chica”.

Lote 175

Oscar Hagerman (España, 1936 – )

Par de sillas “Vicente Guerrero grande”. México, siglo XX. Elaboradas en madera. Con respaldos y asientos en tapicería entramada color verde y soportes lisos.
Estimados: $ 14,000 a 16,000 M.N.

Egresado de la licenciatura en Diseño Industrial por la Universidad Iberoamericana y maestro por el Instituto Pratt, Emiliano Godoy es un diseñador con plena consciencia de lo importante que es la sustentabilidad y el cuidado del medio ambiente en el diseño contemporáneo; sus creaciones buscan crear re exiones sobre las estructuras de producción y consumo para crear diseños innovadores y ecológicamente viables.

La chaise longue “Knit”, fabricada con una estructura flexible de madera contrachapada amarrada con cuerda de algodón, se adapta al cuerpo y movimientos del usuario. Todos los materiales son biodegradables y se pueden reciclar al terminar la vida útil del mueble.

Lote 177

Emiliano Godoy (México, 1972 – ) para Pirwi, años 2000.
Chaise longue “Knit”. Elaborada en madera contrachapada de abedul y cuerda de algodón.
Estimados: $ 24,000 a 28,000 M.N.

Arquitecto, diseñador y artista mexicano egresado de la Universidad Iberoamericana. Como arquitecto ha realizado proyectos para casas particulares, tiendas, boutiques, discotecas y restaurantes. Como diseñador de mobiliario ha buscado optimizar el diseño para que con él mejore la calidad de vida de las personas. Sus piezas se ponen en el límite entre lo utilitario y lo artístico.

La silla “México” es un ejemplo de la capacidad del arquitecto Matthai para darle giros a diseños tradicionales. En esta silla, contrastan el acero cromado con las fibras de tule, lo cual propone una dialéctica entre vanguardia y tradición, tecnología y artesanía, encarnada en un diseño meramente mexicano.

Lote 181

Diego Matthai (México, 1942 – ), años 70.
Par de sillas “México”. Elaboradas en acero cromado.
Respaldo con travesaños, asientos en fibras de tule tejidas y soportes cilíndricos.
Estimados: $ 20,000 a $25,000 M.N.

Historia

Käthe Kollwitz, la última practicante del Expresionismo Alemán

“Me gustaría ejercer influencia en estos tiempos en que
los seres humanos están tan perplejos y necesitan ayuda”.

Käthe Kollwitz, 1922.

Por: María Fernanda Serrano
Especialista de Arte Moderno

Las guerras son un conflicto socio-político que hunde imperios y modifica la historia mundial. Para el arte, las guerras de principio de siglo fueron causantes de trastornos en los ideales estéticos, un cambio violento pero inevitable que impulsó a crear nuevas perspectivas artísticas. La vida durante las guerras afectó a muchos artistas, empujándolos a desarrollar lenguajes plásticos sumamente expresivos, modificando sus estilos, forjando nuevos grupos y fundando corrientes. Käthe Kollwitz, una valiosa pintora, escultora y grabadora alemana afectada por la Primera y Segunda Guerra Mundial, utilizó su trabajo como medio de protesta para enfrentar la injusticia social y el sufrimiento de la época.

Käthe creció en un círculo familiar sano, con una educación de clase media y una fuerte formación religiosa. La temprana muerte de sus hermanos le provocó ataques de ansiedad, a causa de ello se cree que sufría del “Síndrome de Alicia en el País de las Maravillas”, un trastorno neurológico que altera la apreciación visual y la imagen corporal, percibiendo incorrectamente el tamaño de las partes del cuerpo.

Justo cuando estaba por comprometerse, su padre la convenció de elegir los estudios en arte, sobre el matrimonio. Así, tomó sus primeras clases académicas en donde conoció al pintor y escultor simbolista Max Klinger, cuya influencia fue trascendental. En 1891, se casó con el médico Karl Kollwitz, con quien tuvo dos hijos, uno de ellos muerto en un combate durante la Primera Guerra Mundial. La depresión por el fallecimiento de su hijo y la vida de casada la alejó un tiempo de la pintura.

Debido al remolino que fue su vida, su obra era una expresión de la misma, sumamente dramática, llena de emociones, registrando las inquietudes de la sociedad y reflejando su experiencia como testigo de las dos guerras mundiales.

En 1933 su obra fue retirada de las galerías y prohibida su exhibición. En 1936, la Gestapo la amenazó con arrestarla junto con su marido para ser trasladados a un campo de concentración, sin embargo su edad y fama hicieron que llegaran a Sajonia como refugiados del Príncipe Ernesto. Poco tiempo después, su esposo falleció, y a los tres años su apartamento en Berlín fue arrasado por la guerra durante un bombardeo, destruyendo gran parte del trabajo de su vida. Durante sus últimos años, vivió cerca de Dresden, donde realizó escultura en bronce y algunos dibujos. Murió a dos semanas del término de la guerra, a los 77 años. Käthe no logró ser tan conocida en vida, pero debido a los contenidos fuertes y críticos de su obra, se convirtió en la última practicante del expresionismo alemán y en una de las guras más destacadas del realismo crítico de inicios del siglo XX. Sobresalió por ser la primera mujer en ser admitida a la Academia de Artes de Berlín, realizar carteles contra la guerra y los escándalos por las clausuras de sus exposiciones. Entre sus obras más destacadas, se encuentra la escultura auto-descriptiva “Madre e hijo muerto”, la cual fue con scada y usada por los nazis como imagen propagandística; hoy en día la pieza es también conocida como “La Pietá de Kollwitz” y considerada un monumento a los caídos en Berlín.

La obra de Käthe comenzó a exponerse después de su muerte en la Academia de las Artes, en el Museo de Estampas y Dibujos y en la Galería Otto Nagel Hous en Alemania. Posteriormente, con apoyo de la familia Kollwitz, un museo dedicado a su obra se inauguró en Colonia en 1985, y un segundo museo abrió en Berlín un año después. En 1988 se publicó “El Diario y las Cartas de Käthe Kollwitz”, un libro que recopila sus escritos y cartas. Actualmente diversos museos alrededor del mundo cuentan con obra suya en sus acervos.

Fuentes consultadas:

NAGEL, Otto et ál. The Drawings of Käthe Kollwitz. Alemania. The Galerie St. Etienne, New York – German Academy of Arts, Berlin, 1972, pp. 6 -20.
Sitio Oficial del Käthe Kollwitz Museum – Berlin www.kaethe-kollwitz.de
Sitio Oficial del Käthe Kollwitz Museum – Köln www.kollwitz.de
Sitio Oficial del National Museum of Women in the Arts, New York https://nmwa.org
Sitio de la Encyclopaedia Britannica www.britannica.com

Käthe Kollwitz, photograph by Hugo Erfurth, ca. 1925.

Copyright © 2008 by Dover Publications, Inc. Electronic image © 2008 Dover Publications, Inc. All rights reserved.

Lote 163

Käthe Kollwitz (Königsberg, actual Kaliningrado, Rusia, 1867 – Sajonia, Alemania, 1945)
Armstudien, 1905
 Firmado y numerado K 333
 Carboncillo sobre papel
 23 x 30.5 cm
Publicado en: NAGEL, Otto et ál. The Drawings of Käthe Kollwitz. Alemania. The Galerie St. Etienne, New York – German Academy of Arts, Berlin, 1972, Pág. 253.
Estimados: $750,000 a $900,000 M.N.

Lote 163

Lámpara de techo. Francia, siglo XX

Estilo Art Déco. Soporte elaborado en metal dorado, con tres columnas y decorado con motivos vegetales. Tres pantallas de vidrio esmerilado con motivos lineales, y florales (una renovada); y tres pantallas verticales. Cuatro luces.
Estimados: $15,000.00 a $25,000.00 M.N.

Historia

¿Por qué el estilo Art Déco puede ser antiguo?

En ediciones anteriores de Subastando hemos discutido el mito de la edad de las antigüedades. Aunque es un tema que despierta mucha polémica y discusión, ya que existen diferentes definiciones, para los coleccionistas incluso una pieza de menos de 75 años que tuvo alguna relevancia histórica en su momento o marcó una tendencia, puede tener un valor de antigüedad. Tal es el caso de los diseños Art Déco.

Generalmente se clasifican como Déco las obras que se exhibieron en la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) que se realizó en París en 1925. El nombre de la exhibición terminó abreviándose a “Art Déco”, etiquetando así una gran cantidad de obras de arquitectura y artes aplicadas del periodo de entre guerras. El requisito principal para ser incluido en la exposición era que las creaciones no estuvieran inspiradas en estilos del pasado y que los diseños fueran absolutamente nuevos y originales. El enorme éxito comercial del Art Déco hizo que siguiera promoviéndose hasta los años treinta, evolucionando con toques de exotismo, orientalismo y con influencia de todos los movimientos de vanguardia en las artes: Fovismo, Cubismo y Orfismo, entre otros.

En la Subasta de Antigüedades de septiembre, presentaremos dos ejemplares de lámparas Art Déco, una de ellas firmada por Schneider. Ambas nos recuerdan el esfuerzo que se hizo a principios del siglo pasado por romper con los motivos clásicos que se reciclaban en Europa continuamente desde el renacimiento, ofreciendo una estética nueva y que ahora es inseparable del recuerdo de aquellos años de paz entre las dos grandes guerras.

Recomendación

Piezas selectas en la Subasta de Diseño del Siglo XX

“Morton juega un papel muy importante en la recuperación y exhibición de esos objetos de mediados del Siglo XX, ya que son objetos únicos, son objetos que no puedes encontrar en una mueblería …” Christian Del Castillo, arquitecto y coleccionista, explica varias propuestas para decorar su espacio con las piezas de la Subasta de Diseño del siglo XX.